De Teatro
La normalidad vista por los miembros de un extrovertido circo
Circus Oz llega al Teatro Mayor Julio Mario Santo Domingo con su show Model Citizens.
Desafiar las improbabilidades físicas de una forma bella, estética, combinando el riesgo con teatralidad, coreografía y humor es todo un arte, y el Circus Oz lo logra con una sincronía espectacular en el espectáculo Model Citizens, que presentarán en el Teatro Mayor Julio Mario Santo Domingo desde el 24 de octubre hasta el 3 de noviembre.
Iniciando con una serie de cuestionamientos metafísicos acerca de la existencia tales como ¿de dónde venimos?, ¿por qué existimos? y ¿qué somos?, y con un mensaje que busca reflejar y a la vez generar reflexión sobre la vida moderna, Model Citizens –como bien lo indica su nombre–, desarrolla la idea de lo que significa ser un “ciudadano modelo en una sociedad llena de modelos”.
Con actuaciones muy simbólicas que reflejan claramente el mensaje que quiere enviar, el show comienza con los artistas vestidos de uniforme azul moviéndose como autómatas. El único disidente, Mitch Jones (también conocido como capitán Ruin), tatuado, luce una cresta rosa intenso y una licra de colores vibrantes. Trata de resistirse a pertenecer a esa masa; sin embargo, se ve rápidamente obligado a ponerse el traje azul. No obstante, la resistencia del individuo empieza a triunfar, y a medida que el espectáculo evoluciona, los artistas van descubriendo su propia personalidad, su individualidad en medio de la colectividad.
EL TIEMPO habló con Kate Fryer, actual directora del montaje y quien ha sido intérprete, directora, maestra y escritora de circo y teatro durante 20 años. La artista afirma que Model Citizens es una crítica a la vida moderna, a que en la actualidad todos quieren replicar modelos que nos venden en las redes sociales y los medios de comunicación. “Por medio de nuestros shows buscamos siempre dejar un mensaje en los espectadores, que reflexionen sobre algún tema. En este caso es sobre las réplicas que se están generando en la sociedad. Por eso usamos en el espectáculo elementos comunes para exacerbar esa realidad”, dice Fryer.
“Model Citizens rechaza la difusión de la conformidad y la producción en masa, es una demostración de las grandes cosas que puede lograr un pequeño equipo que trabaja en estrecha colaboración”, reseñó el medio australiano Daily Review.
Además de lograr una crítica social que nos toca a todos, el espectáculo es por sí solo impresionante, con una interesante puesta en escena: torres humanas, cuerpos que son lanzados de un lado a otro y trapecistas que atraviesan el escenario, todo enmarcado en una estética futurista. Asimismo, mediante un asombroso juego de luces y con el impulso de una sensacional banda sonora de música en vivo, y al exponer las habilidades del circo de maneras poco convencionales, Model Citizens presenta impresionantes acrobacias grupales con un toque diferente. Es un viaje de imágenes y emociones.
Model Citizens es una crítica a la vida moderna, a que en la actualidad todos quieren replicar modelos que nos venden en las redes sociales y los medios de comunicación.
La historia de un gran circo
El circo australiano, con más de cuatro décadas de historia, sin duda ha sido inspiración para otros circenses, pues fue uno de los pioneros en no usar animales, y ha influido a circos del nivel del Circo del Sol.
Surgió como una propuesta nueva en Melbourne (Australia), en 1978. Y en los últimos 40 años ha estado presentando espectáculos tanto en su país como en todo el mundo, desde Nueva York hasta las selvas tropicales de América del Sur. Circus Oz ha llevado sus interpretaciones artesanales de ingenio, gracia y espectáculo a más de 27 países en los cinco continentes, con gran éxito.
La compañía fue fundada como una fusión de dos grupos australianos en su momento exitosos, Soapbox Circus y New Circus. Fryer dice: “Los principios que fueron el corazón de la filosofía original de Circus Oz todavía se reflejan en los espectáculos, en sus actuaciones: propiedad colectiva y creación, equidad de género y trabajo en equipo”.
Los miembros fundadores, según recoge su historia, amaban las habilidades y los trucos del circo tradicional, pero querían hacer un nuevo tipo de espectáculo con el que la audiencia contemporánea pudiera relacionarse, agregando elementos de rock and roll, teatro popular y sátira. Querían que fuera divertido, irreverente y espectacular, una celebración del grupo como un grupo de mujeres y hombres individuales con múltiples habilidades, en lugar de una jerarquía de estrellas.
Sobre todo, no querían tomarse demasiado en serio la vida. Cosieron y soldaron su propia carpa de circo, reunieron una colección de viejos camiones y caravanas y salieron a la carretera.
A mediados de la década de 1980 comenzaron a aparecer nuevas compañías contemporáneas de circo y teatro físico en todo el mundo. Fue en este momento cuando decidieron someterse a una fase importante de desarrollo de habilidades a través de un entrenamiento intensivo con acróbatas de la Compañía Acrobática de Nanjing, de China. Habilidades aprendidas a lo largo de los años de los chinos, como la escalada en postes y el hula-hoop, que continúan dando esencia al espectáculo.
En la página del circo aseguran que el tenor general de la actuación se ha mantenido constante a lo largo de los años. Por lo general hay entre once y trece intérpretes (con al menos dos músicos) que presentan un espectáculo de energía implacable, humor, juego de habilidades múltiples, imágenes surrealistas, gracia y fuerza, totalmente integrado con una partitura musical en vivo y original.
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De Teatro
Alina Abreu celebra 40 años de trayectoria con el estreno del ballet “La Ciguapa” en el Teatro Nacional
Santo Domingo, RD. – La reconocida bailarina, maestra y coreógrafa Alina Abreu celebrará cuatro décadas de trayectoria artística con el estreno mundial de La Ciguapa, un ballet original inspirado en una de las leyendas más emblemáticas del folclore dominicano.
La producción se presentará los días 13, 14 y 15 de noviembre de 2026 en la Sala Carlos Piantini del Teatro Nacional Eduardo Brito, con una propuesta que combina ballet clásico, música, fantasía y elementos de la identidad cultural dominicana.
Escrita y producida por Abreu, la obra trasladará al escenario la historia de esta misteriosa figura de la tradición oral, conocida por sus largos cabellos y sus pies orientados hacia atrás. La puesta en escena recreará el universo fantástico de la leyenda y transportará al público a las montañas donde, según las creencias populares, habita este ser mítico.
Un reto coreográfico inspirado en el folclore dominicano
Uno de los principales atractivos de la producción será la representación de los característicos pies invertidos de La Ciguapa, un rasgo que plantea un desafío particular para la interpretación mediante el ballet clásico.
A través de una propuesta coreográfica concebida especialmente para la obra, Abreu convierte esta singularidad en un elemento central de la presencia escénica del personaje, integrando la tradición popular con los recursos expresivos de la danza.
El papel protagónico estará a cargo de Laura Isabel Fernández, quien interpretará a La Ciguapa, mientras que Alexander Duval asumirá el personaje de El Pilonero.
La producción reúne a un equipo artístico encabezado por Junior Basurto Lomba, responsable de la música original y la dirección musical; Waddys Jáquez, en la dirección teatral; Fidel López, en el diseño de escenografía; y Magaly Rodríguez, junto a Emmanuel Ferry, en las áreas de vestuario e iluminación, respectivamente.
Cuatro décadas dedicadas a la danza
El estreno de La Ciguapa representa un nuevo capítulo en la carrera de Alina Abreu, quien ha dedicado 40 años a la danza, la creación coreográfica y la formación de bailarines.
A lo largo de su trayectoria, la artista ha apostado por una formación integral que combina la excelencia técnica con la disciplina, la sensibilidad artística y los valores humanos.
Con esta nueva creación, Abreu reafirma su interés en desarrollar propuestas escénicas que conecten las expresiones artísticas contemporáneas con las raíces culturales dominicanas, utilizando el ballet como vehículo para preservar y reinterpretar las historias que forman parte de la memoria colectiva.
La llegada de La Ciguapa al Teatro Nacional Eduardo Brito se presenta así como una celebración de la danza y del patrimonio narrativo dominicano, en una producción que busca llevar una de las leyendas más conocidas del país a una dimensión escénica marcada por el movimiento, la música y la fantasía
Santo Domingo, RD. – El cantautor dominicano Vicente García volverá a fusionar los ritmos de su repertorio con la majestuosidad de una orquesta sinfónica en una nueva edición de “Vicente García Sinfónico”, espectáculo que llegará al Teatro Nacional Eduardo Brito el próximo sábado 19 de diciembre.
La presentación, producida y dirigida por Amaury Sánchez, reunirá al artista con la Orquesta Filarmónica de Santo Domingo, integrada en esta ocasión por 70 músicos, para ofrecer una experiencia que combina la identidad musical dominicana y caribeña con nuevos arreglos orquestales.
El concierto se celebrará a las 8:30 de la noche en la Sala Carlos Piantini del Teatro Nacional y tendrá una única función, según informaron los organizadores.
Después de tres años, la propuesta regresa con una producción renovada que busca ampliar las posibilidades sonoras de las composiciones de García, sin perder la esencia que caracteriza su música.
Nuevos arreglos y canciones para una experiencia diferente
Esta nueva edición combinará temas que conquistaron al público en la primera presentación con canciones más recientes del artista, adaptadas especialmente para el formato sinfónico.
La producción también incorporará nuevos arreglos, momentos inéditos y otras sorpresas, con el propósito de ofrecer un espectáculo diferente y más ambicioso que su antecesor.
La combinación de la voz de Vicente García con una formación de 70 músicos permitirá recorrer distintas etapas de su trayectoria artística, desde sus canciones más conocidas hasta composiciones recientes, destacando la riqueza de sus influencias musicales y los elementos caribeños presentes en su obra.
Amaury Sánchez apuesta por una propuesta renovada
Para Amaury Sánchez, productor y director del espectáculo, el regreso de “Vicente García Sinfónico” representa una oportunidad para seguir explorando la conexión entre la música del cantautor y los sonidos de una gran orquesta.
“La primera experiencia de Vicente García Sinfónico fue extraordinaria y nos dejó con el deseo de seguir explorando todo lo que puede suceder cuando la música de Vicente se encuentra con una gran orquesta”, expresó Sánchez.
El productor destacó que para esta nueva entrega se ha trabajado en una propuesta que incluye nuevas canciones, arreglos y la participación de 70 músicos, con el objetivo de recuperar la emoción del primer concierto y sorprender al público con elementos inéditos.
La música dominicana en formato sinfónico
“Vicente García Sinfónico” propone una reinterpretación de la música popular dominicana a través de los recursos de una orquesta, creando nuevas texturas y matices sin renunciar a la identidad de las composiciones originales.
La iniciativa también resalta la versatilidad del artista y las posibilidades de llevar su repertorio a escenarios donde la música popular y la tradición sinfónica convergen.
Con esta nueva presentación en el Teatro Nacional Eduardo Brito, Vicente García y Amaury Sánchez apuestan por ofrecer una experiencia musical que celebre la riqueza de la música dominicana desde una perspectiva orquestal, en una noche concebida para reencontrar al público con las canciones del artista desde una dimensión sonora diferente
De Teatro
Arianny Familia impulsa el talento y la autoestima de niñas vulnerables con la obra “La Luz que Llevo Dentro”
Santo Domingo, RD. – La comunicadora y profesional del mercadeo y la producción audiovisual Arianny Familia impulsa una iniciativa social que busca transformar vidas a través del arte y la creatividad, mediante el proyecto “Vistas con Amor”, que llevará al escenario a las niñas del Hogar de Niñas Madelaes con la presentación de la obra teatral “La Luz que Llevo Dentro”.
La puesta en escena está pautada para el sábado 31 de octubre, a las 5:00 de la tarde, en las instalaciones del Hogar de Niñas Madelaes, donde las propias residentes asumirán el protagonismo de la presentación, como parte de una experiencia orientada a fortalecer su autoestima, seguridad personal y capacidad de expresión.
“Vistas con Amor” surge con el propósito de apoyar a niños y niñas huérfanos y en situación de vulnerabilidad, mediante acciones que trasciendan la asistencia material y contribuyan también a su desarrollo emocional, educativo y social.
El teatro como herramienta de transformación
A través de esta propuesta, las niñas participan activamente en los ensayos, la interpretación de personajes y la preparación de la puesta en escena, en un proceso que promueve el trabajo en equipo, la creatividad y la confianza en sus propias capacidades.
La obra aborda temas como el miedo, las emociones, la comparación, la confianza y el valor personal, con un mensaje central que invita a reconocer la individualidad y el potencial de cada persona: “No necesito ser como nadie más para brillar”.
La iniciativa apuesta por el arte como una vía para que las participantes descubran sus habilidades, desarrollen nuevas destrezas y encuentren espacios seguros para expresarse.
“Quise que Vistas con Amor fuera más allá de una actividad puntual. Mi intención es utilizar las herramientas que conozco: comunicación, mercadeo, producción audiovisual y creatividad para crear experiencias que conecten, generen impacto y puedan tener continuidad”, expresó Familia.
Una iniciativa con propósito social
La presentación tendrá un costo de RD$2,000 por persona, cuyos ingresos serán destinados íntegramente a la fundación, según la información ofrecida sobre el proyecto.
Con esta propuesta, Familia busca combinar su experiencia profesional con acciones de impacto social que contribuyan al bienestar de niñas en condiciones de vulnerabilidad, al tiempo que promueve su participación en actividades culturales y artísticas.
La iniciativa también procura generar conciencia sobre la importancia de crear oportunidades para que la niñez pueda desarrollar sus talentos, fortalecer su identidad y construir una visión positiva de sí misma.
Comunicación y creatividad al servicio de la comunidad
Arianny Familia es licenciada en Comunicación Publicitaria, con mención Audiovisual, egresada de la Universidad Iberoamericana (UNIBE), y posee una maestría en Dirección de Mercadeo por la Universidad Europea de Madrid.
Desde su formación académica y experiencia profesional, apuesta por integrar la comunicación, la producción audiovisual, la creatividad y la estrategia para desarrollar proyectos con propósito social.
Con “La Luz que Llevo Dentro”, la iniciativa “Vistas con Amor” busca demostrar que el acompañamiento a la niñez vulnerable también puede construirse mediante experiencias que fomenten la expresión artística, la confianza y el reconocimiento del valor individual.