Santo Domingo.-El Teatro Gayumba ha sido y es un grupo fundamental en la escena teatral dominicana y un referente en el país. Desde sus orígenes ha realizado una intensa y múltiple labor en un teatro que destaca por un despliegue de imaginación y creatividad, pero sobre todo el trabajo actoral.De Teatro
Teatro Gayumba, 45 años de auténtica magia teatral
Santo Domingo.-El Teatro Gayumba ha sido y es un grupo fundamental en la escena teatral dominicana y un referente en el país. Desde sus orígenes ha realizado una intensa y múltiple labor en un teatro que destaca por un despliegue de imaginación y creatividad, pero sobre todo el trabajo actoral.Este dúo teatral integrado por Nives Santana y Manuel Chapuseaux fue creado el 18 de julio de 1976 por lo que cumple 45 años en el escenario. Durante su trayectoria ha llevado a las tablas más de 30 obras de las más diversas épocas, géneros y formatos.
Ha representado exitosamente a su país en numerosos festivales de América y Europa, convirtiéndose en el grupo teatral dominicano más reconocido internacionalmente de las últimas décadas. Además, mantuvo junto a sus giras de presentaciones, una constante labor pedagógica, formando cientos de jóvenes a nivel nacional en este quehacer y varios grupos han surgido de sus enseñanzas.
Gayumba se caracteriza por trabajar con escasos recursos de utilería y escenografías simples. El cuerpo del actor, la creatividad y la imaginación son el punto de anclaje de sus montajes. Ver a esta pareja de actores en escena era una verdadera magia donde la poesía pasaba a formar parte de su arte.
Como grupo de teatro popular independiente, su norte fue siempre el compromiso con un arte crítico. Sus montajes son un modelo tanto para directores y actores, como para los grupos que surgieron posteriormente. Con motivo de su 45 aniversario conversamos con su director Manuel Chapuseaux.
¿De qué hay que estar hecho en nuestro país para llegar a 45 años haciendo teatro, y no morir ni claudicar en el intento?
Mira, de ningún material especial. A los artistas nos encanta pintarnos como seres especiales, sacrificados, heroicos… y no, somos trabajadores como los demás. Los verdaderos héroes están en otras trincheras. Es verdad que creamos cosas nuevas y chulas, pero eso no nos da derecho a creernos seres excepcionales. Yo te puedo decir que tengo tanto tiempo haciendo esto porque me encanta, porque lo disfruto, porque me divierte muchísimo y cada día me gusta más.
¿Cómo se dio el paso de Teatro Estudiantil a Teatro Gayumba?
En un momento -1986- una parte del grupo sintió la necesidad de asumir el teatro como oficio, como profesión. Aunque el trabajo que hacíamos en el Teatro Estudiantil era muy serio y dedicado, en última instancia no dejaba de ser un pasatiempo. Entonces algunos decidimos dar el paso, separarnos del grupo y crear uno nuevo con otra orientación desde el punto de vista laboral y profesional, aunque no desde el punto de vista estético, ya que seguimos haciendo el mismo tipo de teatro que hacíamos antes.
¿Cómo ves en la distancia ese período en que el no solo fueron tú y Nives como grupo?
MC. A la distancia lo veo como un período de transición. Rómulo Rivas era todavía nuestro director, los montajes tenían el sello característico del grupo anterior… En fin, fue como el preámbulo que preparó lo que luego sería el dúo Santana-Chapuseaux.
Después de estos 45 años, ¿se siente Chapuseaux satisfecho con lo alcanzado por Gayumba?
¿Satisfecho? Pues no sé qué decirte. De algunas cosas sí y de otras no, pero todas han sido parte del camino y de la experiencia acumulada, o sea que se agradecen tanto los éxitos como los posibles fracasos.
Sus obras fueron siempre críticas con la sociedad, pero teniendo el humor como credo. ¿Ha sido el objetivo de Gayumba que el humor fuera parte de sus montajes? ¿Por qué?
Bueeeno, tanto como “credo” … Lo que pasa es que desde el mismo Teatro Estudiantil nos propusimos hacer un teatro popular, es decir, un teatro que, entre otras cosas, conectara con un público marginado, no acostumbrado a ver teatro, y el humor se mostró siempre como un recurso efectivo para llegar a ese público. Pero no fue una decisión planificada ni programática y también hemos hecho obras bastante “serias”.
¿Ha cometido errores el Gayumba como grupo de teatro?
Supongo que sí, muchísimos, pero yo prefiero recordar los aciertos.
¿En qué momento de tu carrera te encuentras en este 45 aniversario?
Desde hace ya unos años trabajo la mayor parte del tiempo como director independiente, haciendo montajes de todo tipo, desde clásicos hasta textos contemporáneos e incluso montajes comerciales. Ha sido una etapa de adaptación y aprendizaje, pero también muy gratificante y divertida.
En 2012 «El Quijote no existe» fue el último montaje que realizaron, ¿en qué está el grupo ahora?
Desde que hace diez años Nives decidió retirarse de la actuación, Gayumba ha entrado en una especie de limbo. Hicimos esa obra en la que solo actúo y, por suerte, tuvo muy buena acogida. La hemos presentado bastante tanto aquí como fuera, pero a partir de ahí no hemos vuelto a hacer nada más. Yo me resisto a dar por terminada la existencia de Gayumba porque abrigo la esperanza de que todavía se puedan poner en escena algunas otras cosas con ese nombre que tanto ha significado para mi vida teatral. Veremos.
¿Qué fue lo que más influyó en su manera de hacer teatro, o qué persona, ideología o estética más han influenciado al Gayumba?
El primer nombre que salta a la mente es, claro, el de Rómulo Rivas, nuestro director, maestro y guía inicial, quien nos enseñó a hacer el teatro que hacemos. Ahora bien, desde el punto de vista ideológico quien más ha influido en nosotros es Juan Bosch, a través del cual conocimos el marxismo, lo que nos llevó entonces a conocer y asumir a Bertolt Brecht. De modo que, resumiendo nuestras influencias en tres nombres, ahí están: Rivas-Bosch-Brecht.
¿Cuál es el denominador común de todas tus puestas en escena?
La sencillez. El interés por comunicarnos del modo más creativo posible con la menor cantidad de recursos posible. Siempre hemos huido del teatro críptico o incomprensible igual que del teatro naturalista o sobrecargado de elementos. Queremos ser disfrutados y entendidos del modo más sencillo posible…
¿De qué manera ha entrado la verdad en tus montajes? ¿Los consideras que fueron revolucionarios?
La verdad no entró de ninguna manera porque siempre estuvo en ellos. Todos los montajes de Gayumba han sido sinceros y honestos con nuestro modo de ver la vida y el teatro. ¿Revolucionarios? Esa palabra es demasiado grande y ambiciosa. Nuestros fines son más modestos.
¿Qué sigue haciendo falta para que el teatro se convierta en una necesidad de la gente y pueda esparcirse por todo el país?
Lo mismo de siempre: el respaldo del Estado. Hasta que el Estado no asuma el teatro (y el arte en general) como una necesidad y un servicio público eso no sucederá.
¿Cómo puede aprovechar el teatro este momento que vive la humanidad?
Aprovechar no sé. Navegar por él, responder a él, enfrentarse a él, eso sí lo puede y debe hacer. Pero así ha sido siempre.
¿Qué te falta por lograr, algún montaje que hayas querido hacer, algunos actores o actrices con quien hayas querido trabajar? ¿Algún sueño en carpeta?
Sí, claro que siempre hay proyectos y sueños. Así de pronto me llegan tres a la mente. Uno depende de un amigo y colega, productor y actor, con el que he trabajado en otros montajes, que hace tiempo también sueña con llevar esa obra a escena. Vamos a ver si se da. El segundo es un proyecto estrictamente personal, a medio camino entre el teatro y el “Stand Up” que está bastante avanzado en su concepción general, pero que necesita que todo esto pase y las cosas se normalicen para ver si me atrevo a hacerlo. Y el último, un proyecto que cabe perfectamente en el nombre y la estética Gayumba, es un unipersonal sobre una de las trilogías fundamentales de la dramaturgia clásica griega. La primera parte de este proyecto está prácticamente lista, a tiro de un mes de ensayo, pero para la trilogía completa se necesita un tiempo, un espacio y unos recursos con los que no cuento por ahora. Pero dicen que lo último que se pierde es la esperanza. Cuando menos lo espere aparecerá una institución o un mecenas que quiera auspiciarlo. Soñar no cuesta nada.
Y así concluimos esta entrevista con Manuel Chapuseaux, sintiendo que en nosotros, Gayumba, siempre será un grupo distanciado del olvido…
Santo Domingo, R.D.-Hace 24 años que la maestra y coreógrafa Alina Abreu llevó a escena el ballet “Sueño de una noche de verano”, el que vuelve a producir a coreografiar con una nueva visión de la vida, que le permite disfrutar cada proceso de este montaje, en el que lleva trabajando desde hace dos años y se presenta los días 6, 7 y 8 de diciembre en la Sala Carlos Piantini del Teatro Nacional Eduardo Brito, viernes y sábado a las 8:30 de la noche y el domingo a las 6:30 de la tarde.
Esta adaptación basada en el clásico de William Shakespeare llega con un estándar de calidad poco visto en montaje de esta naturaleza, y esto gracias que Abreu ha sabido rodearse de experimentados creativos en cada uno, en sus áreas, sumado a su experiencia de más 40 años en la escena, que le han permitido vivir con deleite cada uno de los procesos de este proyecto.
Según adelanta Abreu en “Sueño de una noche de verano” el público disfrutará de una producción escénica, de una ultra calidad en donde van a converger la música sinfónica, coros en vivo, una excelente producción teatral, y por supuesto, toda la majestuosidad que tiene un ballet de ese tipo porque “Sueño de una noche de verano”.
La pieza, que sube a escena con la co producción de César Suárez Pizano, trae en su historia una explosión de magia que llevará al público a un mundo de fantasía, en un plano terrenal en donde confluyen el amor, situaciones erróneas que mueven a la diversión, sin perder lo asombroso y lo fantástico de los seres maravillosos que dan vida a la historia.
Para plasmar una historia de esta naturaleza en un escenario y que el público lo perciba tal cual, el espectáculo se ha valido de la dirección teatral, que en esta oportunidad está a cargo de la actriz Paula Ferry.
Esta adaptación de «Sueño de una noche de verano» está basada en el clásico de William Shakespeare llega con un estándar de calidad poco visto en montaje de esta naturaleza.
En “Sueño de una noche de verano” se da un círculo que es teatro dentro del teatro, y dentro del ballet se crea una plasticidad totalmente diferente en esta puesta en escena.
“Nosotros tenemos que asegurarnos que dentro del ballet, cada uno de los personajes individuales, en duetos o en grupo, tengan la plasticidad teatral que se necesita para contar la historia y que el espectador pueda entender lo que nosotros estamos contando, y que el espectador se pueda dar cuenta cuando es magia y cuando es realidad dentro del teatro”, explica Abreu.
Los bailarines y actores llevan más de siete meses en ensayos, pero en la parte escénica visual, su productora lleva dos años trabajando en la pre producción del proyecto, por ejemplo, el vestuario, que por años ha sido confeccionado por su madre Magalys Rodríguez, experimentada en el diseño de vestuario de espectáculo, y en quien Alina ha encontrado una aliada, explica que por meses trabajan cada detalle de cada una de las piezas, ya que este tiene que contar la historia a través de los bailarines.
“Como directora y productora general lo tengo todo en mi cabeza, entonces ahí es cuando logras conformar ese equipo que va a trabajar contigo que son peritos e en cada una de los canales, como escenografía, iluminación, en la dirección creativa, en la dirección teatral, con el vestuaristas, con el que te hace los diseños, con el que te está haciendo la utilería, todos esos son canales y tú lo visualiza, pero como director te tienes que sentar a contarle a cada uno una historia que tú tienes en tu cabeza para que ellos la puedan plasmar y convertirla en realidad”, explica sobre el proceso de la puesta en escena.
El espectáculo es una producción integral que expone la danza y el teatro, y fue elegido por Abreu por entender que el mundo, en estos momentos, necesita de la magia y el amor para aliviar los corazones, luego de vivir momentos difíciles en todo el mundo.
“Sueño de una noche de verano” tendrá un acompañamiento musical en vivo, durante las tres noches, con una orquesta sinfónica compuesta por 54 músicos, dirigida por Junior Basurto Lomba; un coro lírico a cargo de la soprano y solista Paola González y más de 100 artistas en escena, lo que garantiza una experiencia de primer nivel.
Un cuerpo de diestros bailarines, entre los principales: Demi Issa, Solieh Samudio, Eliosmayquer Orozco, Ednis Mallol, Pedro Pablo Martínez, JJ Sánchez, Camila Hernández, Grace Batista, María Múñoz y Carmen Amelia Arredondo.
Alina se hace acompañar de un equipo de maestros profesionales de la danza, que durante meses han trabajado en el montaje de esta puesta en escena; Zenaida Terrero, Roberto López, Allison García y Emely Ruiz.
Legado
Después de llevar toda una vida consagrada, primero como bailarina y leugo a la enseñanza, en el Conservatorio de Danza Alina Abreu, tiene una historia como profesional en la que acumula el hito de haber creado la primera y única zapatilla de ballet en el país, con su nombre y es utilizada a nivel internacional, confiesa que su legado será haber impactado en la memoria emocional, tocando el alma de más de 80 mil estudiantes que han pasado por sus manos, desde que decidió por el camino de la enseñanza.
De Teatro
Festival Internacional de Teatro Mujeres sobre las Tablas abre su telón hasta el 30 de noviembre
Santo Domingo, R.D.-El Festival Internacional de Teatro Mujeres sobre las Tablas abrió su telón hasta el 30 de noviembre en la Sala Ravelo del Teatro Nacional Eduardo Brito, Sala Absoluto Teatro y otras del interior del país.
La jornada de la Fundación Absoluto Teatro está bajo la dirección general de la dramaturga, actriz y directora de teatro Elizabeth Ovalle y la producción de la especialista en violencia familiar, la psicóloga Lina Weber; y asistente de coordinación, Deisy Williams.
El festival se presenta en el marco de los actos del Día Internacional de la Eliminación de la Violencia contra la Mujer, el 25 de noviembre, cuyos objetivos principales son: incentivar las presentaciones de obras sobre prevención de violencia de género, y visibilizar los trabajos teatrales realizados por mujeres, para impulsar el contenido dramático, técnico, escrito, montado, producido, actuado y dirigido por ellas mismas.
Estas obras no son piezas tristes, son puestas en escena montadas para el disfrute de toda la familia.
A nivel mundial, las mujeres han venido cumpliendo con su rol como creadoras, desde donde alzan su voz para dar valor a sus trabajos en la puesta en escena. El festival no excluye la participación de los hombres, no se trata de competir, sino de unificar y visibilizar, teniendo como mayor componente y haciendo hincapié en el trabajo de la mujer en el teatro.
Se impartirán talleres, conversatorios, foros sobre violencia de género, dramaturgia, teatro y actuación, aplicado al teatro, entre otros, de manera gratuita en centros educativos, universidades, En la sala Ravelo, Sala Absoluto teatro y espacio alternativos, a nivel nacional.
Este año los países participantes son: México, Cuba, El Salvador, Argentina y República Dominicana.
Doce agrupaciones teatrales, y más de 30 presentaciones en escena, para todo el disfrute del público, con una programación de presentaciones, de un contenido profesional, de alta calidad y entretenimiento, que nos permite reír sin dejar de reflexionar.
El festival incluye la obra Heroínas de la historia, de República Dominicana, de Teatro absoluto, dirigida y producida por Elizabeth Ovalle; así como «Julieta Virtual», de México, con la actuación de Marihana Záratre; «La sobreviviente», desde Cuba con Maireliys Flores; «Relato de una Mujer desde Argentina», dirigida y producida por Luciana Giordano.
Por igual, «Entre Mujeres», con Lidia Ariza y Montessori Venura, dirigida por Germana Quintana, de República Dominicana; «Sobreviviendo a Medea», de El Salvador, actuación, dirección y dramaturgia de Jorgelina Cerritos; «Babka y el viaje al pequeño libro», para todas las edades, de Argentina.
Otras obras: «Divorciada, ¿Y qué?», «La pulpería», «A la Espera», «Psicosis 4.48», de República Dominicana, entre otras.
De Teatro
“Sueño de una noche de verano”, versión ballet, llega al Teatro Nacional con el reto de 54 músicos en vivo
Santo Domingo, RD.-“Sueño de una noche de verano” llega al Teatro Nacional en versión ballet con el reto de 54 músicos sinfónicos tocando totalmente en vivo y 132 artistas en escena.
“En la mayoría de los países donde el ballet tiene otra dimensión, que es a la que nosotros vamos caminando poco a poco, pues siempre tienen música en vivo en el foso. Esta vez se va a abrir el foso del Teatro Nacional y 54 músicos sinfónicos van a estar en escena en todas las funciones”, explicó la maestra y coreógrafa Alina Abreu en la rueda de prensa de la mencionada obra.
La productora indicó que este tipo de obras con tantas personas involucradas solo pueden hacerse en el Teatro Nacional, debido a que es el único lugar que tiene la capacidad tras bastidores de poder albergar esa cantidad de personas.
La obra clásica de William Shakespeare, “Sueño de una noche de verano” en su versión ballet llega a escena este 6, 7 y 8 de diciembre, a la Sala Carlos Piantini del Teatro Nacional.
Por su parte, el bailarín y actor JJ Sánchez, quien interpreta en la obra a Bottom “un personaje cómico y algo tonto”, expresó que esta producción ha sido una oportunidad para salir de su zona de confort, ya que siempre sus personajes en teatro musical son cantando y hablando, pero en este ballet “hablamos con el cuerpo”.
“Ha sido una experiencia de salir de mi zona de confort, ha sido todo un reto, me ha hecho apreciar y valorar muchísimo el trabajo de todos los bailarines clásicos”, expresó el también coreógrafo.
Sobre la obra
«Sueño de una Noche de Verano», está inspirada en la obra clásica de William Shakespeare, cuenta con una coproducción de César Suárez Pizano; el acompañamiento musical en vivo, durante las tres noches, con una orquesta sinfónica compuesta por 54 músicos, dirigida por Junior Basurto Lomba; un coro lírico a cargo de la soprano y solista Paola González y 132 artistas en escena.
El espectáculo tiene una escenografía del experto Fidel López, el vestuario de la experimentada Magaly Rodríguez, quien lleva más de 60 años en el oficio y la dirección teatral de la joven y profesional actriz Paula Ferry. Un cuerpo de diestros bailarines, entre los principales: Demi Issa, Solieh Samudio, Eliosmayquer Orozco, Ednis Mallol, Pedro Pablo Martínez, JJ Sánchez, Camila Hernández, Grace Batista, María Múñoz y Carmen Amelia Arredondo.
Esta adaptación en ballet llega transformada en un bosque encantado de Grecia, en un escenario donde hasta, mortales y seres mitológicos cruzan sus destinos bajo el influjo de una flor mágica. En esta mágica noche, los personajes experimentan amores erráticos, hechizos y travesuras que reflejan la dualidad entre los mundos de la realidad y la fantasía.