Santo Domingo.-El Teatro Gayumba ha sido y es un grupo fundamental en la escena teatral dominicana y un referente en el país. Desde sus orígenes ha realizado una intensa y múltiple labor en un teatro que destaca por un despliegue de imaginación y creatividad, pero sobre todo el trabajo actoral.De Teatro
Teatro Gayumba, 45 años de auténtica magia teatral
Santo Domingo.-El Teatro Gayumba ha sido y es un grupo fundamental en la escena teatral dominicana y un referente en el país. Desde sus orígenes ha realizado una intensa y múltiple labor en un teatro que destaca por un despliegue de imaginación y creatividad, pero sobre todo el trabajo actoral.Este dúo teatral integrado por Nives Santana y Manuel Chapuseaux fue creado el 18 de julio de 1976 por lo que cumple 45 años en el escenario. Durante su trayectoria ha llevado a las tablas más de 30 obras de las más diversas épocas, géneros y formatos.
Ha representado exitosamente a su país en numerosos festivales de América y Europa, convirtiéndose en el grupo teatral dominicano más reconocido internacionalmente de las últimas décadas. Además, mantuvo junto a sus giras de presentaciones, una constante labor pedagógica, formando cientos de jóvenes a nivel nacional en este quehacer y varios grupos han surgido de sus enseñanzas.
Gayumba se caracteriza por trabajar con escasos recursos de utilería y escenografías simples. El cuerpo del actor, la creatividad y la imaginación son el punto de anclaje de sus montajes. Ver a esta pareja de actores en escena era una verdadera magia donde la poesía pasaba a formar parte de su arte.
Como grupo de teatro popular independiente, su norte fue siempre el compromiso con un arte crítico. Sus montajes son un modelo tanto para directores y actores, como para los grupos que surgieron posteriormente. Con motivo de su 45 aniversario conversamos con su director Manuel Chapuseaux.
¿De qué hay que estar hecho en nuestro país para llegar a 45 años haciendo teatro, y no morir ni claudicar en el intento?
Mira, de ningún material especial. A los artistas nos encanta pintarnos como seres especiales, sacrificados, heroicos… y no, somos trabajadores como los demás. Los verdaderos héroes están en otras trincheras. Es verdad que creamos cosas nuevas y chulas, pero eso no nos da derecho a creernos seres excepcionales. Yo te puedo decir que tengo tanto tiempo haciendo esto porque me encanta, porque lo disfruto, porque me divierte muchísimo y cada día me gusta más.
¿Cómo se dio el paso de Teatro Estudiantil a Teatro Gayumba?
En un momento -1986- una parte del grupo sintió la necesidad de asumir el teatro como oficio, como profesión. Aunque el trabajo que hacíamos en el Teatro Estudiantil era muy serio y dedicado, en última instancia no dejaba de ser un pasatiempo. Entonces algunos decidimos dar el paso, separarnos del grupo y crear uno nuevo con otra orientación desde el punto de vista laboral y profesional, aunque no desde el punto de vista estético, ya que seguimos haciendo el mismo tipo de teatro que hacíamos antes.
¿Cómo ves en la distancia ese período en que el no solo fueron tú y Nives como grupo?
MC. A la distancia lo veo como un período de transición. Rómulo Rivas era todavía nuestro director, los montajes tenían el sello característico del grupo anterior… En fin, fue como el preámbulo que preparó lo que luego sería el dúo Santana-Chapuseaux.
Después de estos 45 años, ¿se siente Chapuseaux satisfecho con lo alcanzado por Gayumba?
¿Satisfecho? Pues no sé qué decirte. De algunas cosas sí y de otras no, pero todas han sido parte del camino y de la experiencia acumulada, o sea que se agradecen tanto los éxitos como los posibles fracasos.
Sus obras fueron siempre críticas con la sociedad, pero teniendo el humor como credo. ¿Ha sido el objetivo de Gayumba que el humor fuera parte de sus montajes? ¿Por qué?
Bueeeno, tanto como “credo” … Lo que pasa es que desde el mismo Teatro Estudiantil nos propusimos hacer un teatro popular, es decir, un teatro que, entre otras cosas, conectara con un público marginado, no acostumbrado a ver teatro, y el humor se mostró siempre como un recurso efectivo para llegar a ese público. Pero no fue una decisión planificada ni programática y también hemos hecho obras bastante “serias”.
¿Ha cometido errores el Gayumba como grupo de teatro?
Supongo que sí, muchísimos, pero yo prefiero recordar los aciertos.
¿En qué momento de tu carrera te encuentras en este 45 aniversario?
Desde hace ya unos años trabajo la mayor parte del tiempo como director independiente, haciendo montajes de todo tipo, desde clásicos hasta textos contemporáneos e incluso montajes comerciales. Ha sido una etapa de adaptación y aprendizaje, pero también muy gratificante y divertida.
En 2012 «El Quijote no existe» fue el último montaje que realizaron, ¿en qué está el grupo ahora?
Desde que hace diez años Nives decidió retirarse de la actuación, Gayumba ha entrado en una especie de limbo. Hicimos esa obra en la que solo actúo y, por suerte, tuvo muy buena acogida. La hemos presentado bastante tanto aquí como fuera, pero a partir de ahí no hemos vuelto a hacer nada más. Yo me resisto a dar por terminada la existencia de Gayumba porque abrigo la esperanza de que todavía se puedan poner en escena algunas otras cosas con ese nombre que tanto ha significado para mi vida teatral. Veremos.
¿Qué fue lo que más influyó en su manera de hacer teatro, o qué persona, ideología o estética más han influenciado al Gayumba?
El primer nombre que salta a la mente es, claro, el de Rómulo Rivas, nuestro director, maestro y guía inicial, quien nos enseñó a hacer el teatro que hacemos. Ahora bien, desde el punto de vista ideológico quien más ha influido en nosotros es Juan Bosch, a través del cual conocimos el marxismo, lo que nos llevó entonces a conocer y asumir a Bertolt Brecht. De modo que, resumiendo nuestras influencias en tres nombres, ahí están: Rivas-Bosch-Brecht.
¿Cuál es el denominador común de todas tus puestas en escena?
La sencillez. El interés por comunicarnos del modo más creativo posible con la menor cantidad de recursos posible. Siempre hemos huido del teatro críptico o incomprensible igual que del teatro naturalista o sobrecargado de elementos. Queremos ser disfrutados y entendidos del modo más sencillo posible…
¿De qué manera ha entrado la verdad en tus montajes? ¿Los consideras que fueron revolucionarios?
La verdad no entró de ninguna manera porque siempre estuvo en ellos. Todos los montajes de Gayumba han sido sinceros y honestos con nuestro modo de ver la vida y el teatro. ¿Revolucionarios? Esa palabra es demasiado grande y ambiciosa. Nuestros fines son más modestos.
¿Qué sigue haciendo falta para que el teatro se convierta en una necesidad de la gente y pueda esparcirse por todo el país?
Lo mismo de siempre: el respaldo del Estado. Hasta que el Estado no asuma el teatro (y el arte en general) como una necesidad y un servicio público eso no sucederá.
¿Cómo puede aprovechar el teatro este momento que vive la humanidad?
Aprovechar no sé. Navegar por él, responder a él, enfrentarse a él, eso sí lo puede y debe hacer. Pero así ha sido siempre.
¿Qué te falta por lograr, algún montaje que hayas querido hacer, algunos actores o actrices con quien hayas querido trabajar? ¿Algún sueño en carpeta?
Sí, claro que siempre hay proyectos y sueños. Así de pronto me llegan tres a la mente. Uno depende de un amigo y colega, productor y actor, con el que he trabajado en otros montajes, que hace tiempo también sueña con llevar esa obra a escena. Vamos a ver si se da. El segundo es un proyecto estrictamente personal, a medio camino entre el teatro y el “Stand Up” que está bastante avanzado en su concepción general, pero que necesita que todo esto pase y las cosas se normalicen para ver si me atrevo a hacerlo. Y el último, un proyecto que cabe perfectamente en el nombre y la estética Gayumba, es un unipersonal sobre una de las trilogías fundamentales de la dramaturgia clásica griega. La primera parte de este proyecto está prácticamente lista, a tiro de un mes de ensayo, pero para la trilogía completa se necesita un tiempo, un espacio y unos recursos con los que no cuento por ahora. Pero dicen que lo último que se pierde es la esperanza. Cuando menos lo espere aparecerá una institución o un mecenas que quiera auspiciarlo. Soñar no cuesta nada.
Y así concluimos esta entrevista con Manuel Chapuseaux, sintiendo que en nosotros, Gayumba, siempre será un grupo distanciado del olvido…
De Teatro
Alina Abreu celebra 40 años de trayectoria con el estreno del ballet “La Ciguapa” en el Teatro Nacional
Santo Domingo, RD. – La reconocida bailarina, maestra y coreógrafa Alina Abreu celebrará cuatro décadas de trayectoria artística con el estreno mundial de La Ciguapa, un ballet original inspirado en una de las leyendas más emblemáticas del folclore dominicano.
La producción se presentará los días 13, 14 y 15 de noviembre de 2026 en la Sala Carlos Piantini del Teatro Nacional Eduardo Brito, con una propuesta que combina ballet clásico, música, fantasía y elementos de la identidad cultural dominicana.
Escrita y producida por Abreu, la obra trasladará al escenario la historia de esta misteriosa figura de la tradición oral, conocida por sus largos cabellos y sus pies orientados hacia atrás. La puesta en escena recreará el universo fantástico de la leyenda y transportará al público a las montañas donde, según las creencias populares, habita este ser mítico.
Un reto coreográfico inspirado en el folclore dominicano
Uno de los principales atractivos de la producción será la representación de los característicos pies invertidos de La Ciguapa, un rasgo que plantea un desafío particular para la interpretación mediante el ballet clásico.
A través de una propuesta coreográfica concebida especialmente para la obra, Abreu convierte esta singularidad en un elemento central de la presencia escénica del personaje, integrando la tradición popular con los recursos expresivos de la danza.
El papel protagónico estará a cargo de Laura Isabel Fernández, quien interpretará a La Ciguapa, mientras que Alexander Duval asumirá el personaje de El Pilonero.
La producción reúne a un equipo artístico encabezado por Junior Basurto Lomba, responsable de la música original y la dirección musical; Waddys Jáquez, en la dirección teatral; Fidel López, en el diseño de escenografía; y Magaly Rodríguez, junto a Emmanuel Ferry, en las áreas de vestuario e iluminación, respectivamente.
Cuatro décadas dedicadas a la danza
El estreno de La Ciguapa representa un nuevo capítulo en la carrera de Alina Abreu, quien ha dedicado 40 años a la danza, la creación coreográfica y la formación de bailarines.
A lo largo de su trayectoria, la artista ha apostado por una formación integral que combina la excelencia técnica con la disciplina, la sensibilidad artística y los valores humanos.
Con esta nueva creación, Abreu reafirma su interés en desarrollar propuestas escénicas que conecten las expresiones artísticas contemporáneas con las raíces culturales dominicanas, utilizando el ballet como vehículo para preservar y reinterpretar las historias que forman parte de la memoria colectiva.
La llegada de La Ciguapa al Teatro Nacional Eduardo Brito se presenta así como una celebración de la danza y del patrimonio narrativo dominicano, en una producción que busca llevar una de las leyendas más conocidas del país a una dimensión escénica marcada por el movimiento, la música y la fantasía
Santo Domingo, RD. – El cantautor dominicano Vicente García volverá a fusionar los ritmos de su repertorio con la majestuosidad de una orquesta sinfónica en una nueva edición de “Vicente García Sinfónico”, espectáculo que llegará al Teatro Nacional Eduardo Brito el próximo sábado 19 de diciembre.
La presentación, producida y dirigida por Amaury Sánchez, reunirá al artista con la Orquesta Filarmónica de Santo Domingo, integrada en esta ocasión por 70 músicos, para ofrecer una experiencia que combina la identidad musical dominicana y caribeña con nuevos arreglos orquestales.
El concierto se celebrará a las 8:30 de la noche en la Sala Carlos Piantini del Teatro Nacional y tendrá una única función, según informaron los organizadores.
Después de tres años, la propuesta regresa con una producción renovada que busca ampliar las posibilidades sonoras de las composiciones de García, sin perder la esencia que caracteriza su música.
Nuevos arreglos y canciones para una experiencia diferente
Esta nueva edición combinará temas que conquistaron al público en la primera presentación con canciones más recientes del artista, adaptadas especialmente para el formato sinfónico.
La producción también incorporará nuevos arreglos, momentos inéditos y otras sorpresas, con el propósito de ofrecer un espectáculo diferente y más ambicioso que su antecesor.
La combinación de la voz de Vicente García con una formación de 70 músicos permitirá recorrer distintas etapas de su trayectoria artística, desde sus canciones más conocidas hasta composiciones recientes, destacando la riqueza de sus influencias musicales y los elementos caribeños presentes en su obra.
Amaury Sánchez apuesta por una propuesta renovada
Para Amaury Sánchez, productor y director del espectáculo, el regreso de “Vicente García Sinfónico” representa una oportunidad para seguir explorando la conexión entre la música del cantautor y los sonidos de una gran orquesta.
“La primera experiencia de Vicente García Sinfónico fue extraordinaria y nos dejó con el deseo de seguir explorando todo lo que puede suceder cuando la música de Vicente se encuentra con una gran orquesta”, expresó Sánchez.
El productor destacó que para esta nueva entrega se ha trabajado en una propuesta que incluye nuevas canciones, arreglos y la participación de 70 músicos, con el objetivo de recuperar la emoción del primer concierto y sorprender al público con elementos inéditos.
La música dominicana en formato sinfónico
“Vicente García Sinfónico” propone una reinterpretación de la música popular dominicana a través de los recursos de una orquesta, creando nuevas texturas y matices sin renunciar a la identidad de las composiciones originales.
La iniciativa también resalta la versatilidad del artista y las posibilidades de llevar su repertorio a escenarios donde la música popular y la tradición sinfónica convergen.
Con esta nueva presentación en el Teatro Nacional Eduardo Brito, Vicente García y Amaury Sánchez apuestan por ofrecer una experiencia musical que celebre la riqueza de la música dominicana desde una perspectiva orquestal, en una noche concebida para reencontrar al público con las canciones del artista desde una dimensión sonora diferente
De Teatro
Arianny Familia impulsa el talento y la autoestima de niñas vulnerables con la obra “La Luz que Llevo Dentro”
Santo Domingo, RD. – La comunicadora y profesional del mercadeo y la producción audiovisual Arianny Familia impulsa una iniciativa social que busca transformar vidas a través del arte y la creatividad, mediante el proyecto “Vistas con Amor”, que llevará al escenario a las niñas del Hogar de Niñas Madelaes con la presentación de la obra teatral “La Luz que Llevo Dentro”.
La puesta en escena está pautada para el sábado 31 de octubre, a las 5:00 de la tarde, en las instalaciones del Hogar de Niñas Madelaes, donde las propias residentes asumirán el protagonismo de la presentación, como parte de una experiencia orientada a fortalecer su autoestima, seguridad personal y capacidad de expresión.
“Vistas con Amor” surge con el propósito de apoyar a niños y niñas huérfanos y en situación de vulnerabilidad, mediante acciones que trasciendan la asistencia material y contribuyan también a su desarrollo emocional, educativo y social.
El teatro como herramienta de transformación
A través de esta propuesta, las niñas participan activamente en los ensayos, la interpretación de personajes y la preparación de la puesta en escena, en un proceso que promueve el trabajo en equipo, la creatividad y la confianza en sus propias capacidades.
La obra aborda temas como el miedo, las emociones, la comparación, la confianza y el valor personal, con un mensaje central que invita a reconocer la individualidad y el potencial de cada persona: “No necesito ser como nadie más para brillar”.
La iniciativa apuesta por el arte como una vía para que las participantes descubran sus habilidades, desarrollen nuevas destrezas y encuentren espacios seguros para expresarse.
“Quise que Vistas con Amor fuera más allá de una actividad puntual. Mi intención es utilizar las herramientas que conozco: comunicación, mercadeo, producción audiovisual y creatividad para crear experiencias que conecten, generen impacto y puedan tener continuidad”, expresó Familia.
Una iniciativa con propósito social
La presentación tendrá un costo de RD$2,000 por persona, cuyos ingresos serán destinados íntegramente a la fundación, según la información ofrecida sobre el proyecto.
Con esta propuesta, Familia busca combinar su experiencia profesional con acciones de impacto social que contribuyan al bienestar de niñas en condiciones de vulnerabilidad, al tiempo que promueve su participación en actividades culturales y artísticas.
La iniciativa también procura generar conciencia sobre la importancia de crear oportunidades para que la niñez pueda desarrollar sus talentos, fortalecer su identidad y construir una visión positiva de sí misma.
Comunicación y creatividad al servicio de la comunidad
Arianny Familia es licenciada en Comunicación Publicitaria, con mención Audiovisual, egresada de la Universidad Iberoamericana (UNIBE), y posee una maestría en Dirección de Mercadeo por la Universidad Europea de Madrid.
Desde su formación académica y experiencia profesional, apuesta por integrar la comunicación, la producción audiovisual, la creatividad y la estrategia para desarrollar proyectos con propósito social.
Con “La Luz que Llevo Dentro”, la iniciativa “Vistas con Amor” busca demostrar que el acompañamiento a la niñez vulnerable también puede construirse mediante experiencias que fomenten la expresión artística, la confianza y el reconocimiento del valor individual.