De Teatro
Ibsen vuelve sin pelos en la lengua
Un proyecto internacional de traducción recupera palabrotas y matices perdidos que contribuyeron al escándalo en los estrenos de ‘Casa de muñecas’ o ‘Un enemigo del pueblo’
Henrik Ibsen, retratado en su estudio, en una fotografía sin fecha. GETTY
Cuando en 1879 se representó por primera vez Casa de muñecas, de Henrik Ibsen (1828-1906), se armó un gran revuelo. Nora, su protagonista, es una perfecta esposa burguesa que un día se da cuenta de que su marido y los hombres en general la mangonean como si fuera menor de edad y les da portazo a todos. El personaje se convirtió enseguida en icono del feminismo, pese a que el autor negara repetidamente que tuviera esa intención, amado y odiado por igual. Aquello fue solo el principio de una larga sucesión de polémicas: prácticamente todas las obras que el dramaturgo noruego estrenó desde ese momento suscitaron controversia, especialmente Un enemigo del pueblo (1882), su más furibundo ataque a la corrupción de la democracia. Podría decirse que con Ibsen llegó el escándalo al teatro.
Esto es historia conocida, pues aquellas obras son hoy clásicos representados en todo el mundo. Menos sabido es que una de las cosas que contribuyeron al escándalo en el estreno de Un enemigo del pueblo fue que su protagonista, el vehemente doctor Tomas Stockmann, aderezaba sus arengas con tacos de alto calibre, pues ese detalle se perdió hace años en la mayoría de las traducciones y retraducciones que ha tenido la obra a lo largo de más de un siglo. También en los parlamentos originales de Nora se advertían grandes deseos de maldecir.
Muchos otros matices de la escritura de Ibsen se han perdido con el tiempo. Suele pasar con los clásicos, pero se acentúa cuando el original está escrito en un idioma minoritario como es el noruego, que a menudo se ha traducido partiendo de versiones francesas o inglesas. Por eso el Centro de Estudios Ibsenianos de la Universidad de Oslo, en colaboración con el instituto NORLA y el Ministerio de Exteriores de Noruega, puso en marcha hace una década un monumental proyecto llamado Ibsen in Translation para volcar directamente del original sus 12 obras más importantes a ocho idiomas: árabe clásico, egipcio, hindi, japonés, chino, ruso, iraní y castellano. Las primeras conversaciones tuvieron lugar en 2008 y por fin acaba de llegar a las librerías el primer volumen de la versión española, editado por Nórdica, con ocho dramas traducidos meticulosamente por Cristina Gómez-Baggethun. Los otros cuatro títulos se publicarán el próximo año.
“Se dice que las literaturas nacionales las crean los autores y la mundial los traductores. Y lo cierto es que las traducciones envejecen de manera distinta a los originales y, por tanto, conviene hacer nuevas cada cierto tiempo”, subraya Frode Helland, coordinador internacional del proyecto desde Olso. “Por otra parte —añade Helland—, los desafíos son distintos en cada idioma. Detalles como el uso de palabrotas y elementos como el alcoholismo o las jerarquías que establece el lenguaje suelen ser más difíciles de trasladar a culturas como la china o la japonesa”.
Es asombrosa la cantidad de matices nuevos que salen a la luz en estas revisiones. No hay que olvidar que en España prácticamente no hay traducciones directas, solo las cuatro que publicó Alianza en los ochenta (Casa de muñecas, Hedda Gabler, El pato silvestre y Un enemigo del pueblo) y otras dos de la propia Gómez-Baggethun que Nórdica publicó en 2010 (Casa de muñecas y Solness, el constructor). “Pero la más difundida es la que hizo Pedro Pellicena de las obras completas a principios del siglo pasado, basada en múltiples fuentes, sobre todo francesas —recuerda la traductora—. Tanta intermediación ha hecho que estos textos hayan llegado hasta nuestros días en un castellano muy pulido y literario, pero sin los giros o expresiones del habla oral que Ibsen utilizó muchas veces para marcar el carácter o el origen de sus personajes”.
Interpretaciones dispares
Emma Cohen, Fernando Fernán Gómez y el niño Antonio Fauro en ‘Un enemigo del pueblo’ en 1971 ARCHIVOS CDAEM
Esto explica también en parte por qué el teatro de Ibsen ha sido siempre objeto de las más dispares interpretaciones. Cada cual, según su ideología. “Espectros (1881), por ejemplo, levantó un gran escándalo cuando Stanislavski la estrenó en Moscú, mientras que en Italia fue un éxito comercial a principios del XX gracias a la lectura moralista que hizo el actor Ermete Zacconi, que la entendió como una advertencia sobre las letales consecuencias de la vida bohemia y artística. Un enemigo del pueblo (1883) fue empleada por los nazis como propaganda contra la cultura democrática, mientras que Arthur Miller la adaptó para denunciar la caza de brujas de McCarthy en Estados Unidos y ahora ha regresado con fuerza a los escenarios norteamericanos ante la crisis de derechos democráticos que sufre el país», explica Gómez-Baggethun.
En España ha habido de todo. En 1971, Fernando Fernán-Gómez consiguió un exitazo con su lectura antifranquista de Un enemigo del pueblo (era la versión de Arthur Miller), pero antes el crítico Alfredo Marqueríe (militante falangista) había realizado una adaptación totalmente inversa para una lectura dramatizada en 1963, según ha descubierto Gómez-Baggethun en sus investigaciones. En 2007, Juan Mayorga y Gerardo Vera la montaron centrándose en la degeneración de los medios de comunicación, mientras que la versión que estrenó el año pasado Àlex Rigola proponía al público que votara sobre quiénes eran los malos de la historia. Recordemos el argumento original de Ibsen: Stockmann descubre que las aguas del balneario del que vive su pueblo están contaminadas, pero cuando quiere hacerlo público sus vecinos lo declaran enemigo del pueblo y es entonces cuando él arremete contra la democracia.
El dramaturgo y director Ignacio García May, que ha asesorado a la traductora en cuestiones de ritmo y fonética teatral, subraya que a los lectores de estas nuevas versiones les va a sorprender la comicidad. “Se suele pensar en Ibsen como un señor con patillas muy espeso. Pero resulta que tenía un gran sentido del humor. Estaba escondido bajo esa solemnidad decimonónica que se le echó encima”, afirma García May.
Grandes actores para grandes personajes
Ibsen dejó para la historia un puñado de personajes codiciados por los mejores actores de todas las épocas. Stanislavski, Steve McQueen protagonizaron Un enemigo del pueblo en Estados Unidos y en España el mismo personajes lo han encarnado con altura Fernando Fernán Gómez, José Bódalo, Francesc Orella e Israel Elejalde.
La noruega Liv Ullmann inmortalizó la Nora de Casa de muñecas en Broadway en 1975 y Antony Hopkins interpretó a su marido en el cine. Hedda Gabler han sido Glenda Jackson, Maggie Smith, Ingrid Bergman, Isabelle Huppert y Cate Blanchett, entre otras. En España se recuerda la Nora de Julieta Serrano en una versión “muy feminista”, según recuerda ella misma, que dirigió para televisión Josefina Molina en 1971.
Lejos de apagarse su estela, el noruego parece hoy más vigente que nunca. Al calor de la nueva ola feminista, proliferan nuevas versiones de Casa de muñecas e incluso secuelas como la que escribió el autor estadounidense Lucas Hnath en 2017 imaginando cómo sería la vuelta de la protagonista a su casa 15 años después de su huida. Tuvo tal éxito en su estreno en Broadway que rápidamente se tradujo a varios idiomas y la temporada pasada se estrenaron en España dos producciones, una en castellano y otra en catalán, protagonizadas por Aitana Sánchez-Gijón y Emma Vilarasau. “Claramente hay una moda Ibsen. Las razones probablemente son complejas, pero una explicación breve podría ser que escribió desde dentro de una cultura que estaba experimentando cambios rápidos y radicales en economía, costumbres sociales y normas culturales, relacionados con la relación entre los sexos y el status del individuo como tal. Desafíos de este tipo también son apremiantes y se sienten profundamente hoy, en nuestra propia fase de globalización», opina el profesor Helland.
elpais.com
De Teatro
Alina Abreu celebra 40 años de trayectoria con el estreno del ballet “La Ciguapa” en el Teatro Nacional
Santo Domingo, RD. – La reconocida bailarina, maestra y coreógrafa Alina Abreu celebrará cuatro décadas de trayectoria artística con el estreno mundial de La Ciguapa, un ballet original inspirado en una de las leyendas más emblemáticas del folclore dominicano.
La producción se presentará los días 13, 14 y 15 de noviembre de 2026 en la Sala Carlos Piantini del Teatro Nacional Eduardo Brito, con una propuesta que combina ballet clásico, música, fantasía y elementos de la identidad cultural dominicana.
Escrita y producida por Abreu, la obra trasladará al escenario la historia de esta misteriosa figura de la tradición oral, conocida por sus largos cabellos y sus pies orientados hacia atrás. La puesta en escena recreará el universo fantástico de la leyenda y transportará al público a las montañas donde, según las creencias populares, habita este ser mítico.
Un reto coreográfico inspirado en el folclore dominicano
Uno de los principales atractivos de la producción será la representación de los característicos pies invertidos de La Ciguapa, un rasgo que plantea un desafío particular para la interpretación mediante el ballet clásico.
A través de una propuesta coreográfica concebida especialmente para la obra, Abreu convierte esta singularidad en un elemento central de la presencia escénica del personaje, integrando la tradición popular con los recursos expresivos de la danza.
El papel protagónico estará a cargo de Laura Isabel Fernández, quien interpretará a La Ciguapa, mientras que Alexander Duval asumirá el personaje de El Pilonero.
La producción reúne a un equipo artístico encabezado por Junior Basurto Lomba, responsable de la música original y la dirección musical; Waddys Jáquez, en la dirección teatral; Fidel López, en el diseño de escenografía; y Magaly Rodríguez, junto a Emmanuel Ferry, en las áreas de vestuario e iluminación, respectivamente.
Cuatro décadas dedicadas a la danza
El estreno de La Ciguapa representa un nuevo capítulo en la carrera de Alina Abreu, quien ha dedicado 40 años a la danza, la creación coreográfica y la formación de bailarines.
A lo largo de su trayectoria, la artista ha apostado por una formación integral que combina la excelencia técnica con la disciplina, la sensibilidad artística y los valores humanos.
Con esta nueva creación, Abreu reafirma su interés en desarrollar propuestas escénicas que conecten las expresiones artísticas contemporáneas con las raíces culturales dominicanas, utilizando el ballet como vehículo para preservar y reinterpretar las historias que forman parte de la memoria colectiva.
La llegada de La Ciguapa al Teatro Nacional Eduardo Brito se presenta así como una celebración de la danza y del patrimonio narrativo dominicano, en una producción que busca llevar una de las leyendas más conocidas del país a una dimensión escénica marcada por el movimiento, la música y la fantasía
Santo Domingo, RD. – El cantautor dominicano Vicente García volverá a fusionar los ritmos de su repertorio con la majestuosidad de una orquesta sinfónica en una nueva edición de “Vicente García Sinfónico”, espectáculo que llegará al Teatro Nacional Eduardo Brito el próximo sábado 19 de diciembre.
La presentación, producida y dirigida por Amaury Sánchez, reunirá al artista con la Orquesta Filarmónica de Santo Domingo, integrada en esta ocasión por 70 músicos, para ofrecer una experiencia que combina la identidad musical dominicana y caribeña con nuevos arreglos orquestales.
El concierto se celebrará a las 8:30 de la noche en la Sala Carlos Piantini del Teatro Nacional y tendrá una única función, según informaron los organizadores.
Después de tres años, la propuesta regresa con una producción renovada que busca ampliar las posibilidades sonoras de las composiciones de García, sin perder la esencia que caracteriza su música.
Nuevos arreglos y canciones para una experiencia diferente
Esta nueva edición combinará temas que conquistaron al público en la primera presentación con canciones más recientes del artista, adaptadas especialmente para el formato sinfónico.
La producción también incorporará nuevos arreglos, momentos inéditos y otras sorpresas, con el propósito de ofrecer un espectáculo diferente y más ambicioso que su antecesor.
La combinación de la voz de Vicente García con una formación de 70 músicos permitirá recorrer distintas etapas de su trayectoria artística, desde sus canciones más conocidas hasta composiciones recientes, destacando la riqueza de sus influencias musicales y los elementos caribeños presentes en su obra.
Amaury Sánchez apuesta por una propuesta renovada
Para Amaury Sánchez, productor y director del espectáculo, el regreso de “Vicente García Sinfónico” representa una oportunidad para seguir explorando la conexión entre la música del cantautor y los sonidos de una gran orquesta.
“La primera experiencia de Vicente García Sinfónico fue extraordinaria y nos dejó con el deseo de seguir explorando todo lo que puede suceder cuando la música de Vicente se encuentra con una gran orquesta”, expresó Sánchez.
El productor destacó que para esta nueva entrega se ha trabajado en una propuesta que incluye nuevas canciones, arreglos y la participación de 70 músicos, con el objetivo de recuperar la emoción del primer concierto y sorprender al público con elementos inéditos.
La música dominicana en formato sinfónico
“Vicente García Sinfónico” propone una reinterpretación de la música popular dominicana a través de los recursos de una orquesta, creando nuevas texturas y matices sin renunciar a la identidad de las composiciones originales.
La iniciativa también resalta la versatilidad del artista y las posibilidades de llevar su repertorio a escenarios donde la música popular y la tradición sinfónica convergen.
Con esta nueva presentación en el Teatro Nacional Eduardo Brito, Vicente García y Amaury Sánchez apuestan por ofrecer una experiencia musical que celebre la riqueza de la música dominicana desde una perspectiva orquestal, en una noche concebida para reencontrar al público con las canciones del artista desde una dimensión sonora diferente
De Teatro
Arianny Familia impulsa el talento y la autoestima de niñas vulnerables con la obra “La Luz que Llevo Dentro”
Santo Domingo, RD. – La comunicadora y profesional del mercadeo y la producción audiovisual Arianny Familia impulsa una iniciativa social que busca transformar vidas a través del arte y la creatividad, mediante el proyecto “Vistas con Amor”, que llevará al escenario a las niñas del Hogar de Niñas Madelaes con la presentación de la obra teatral “La Luz que Llevo Dentro”.
La puesta en escena está pautada para el sábado 31 de octubre, a las 5:00 de la tarde, en las instalaciones del Hogar de Niñas Madelaes, donde las propias residentes asumirán el protagonismo de la presentación, como parte de una experiencia orientada a fortalecer su autoestima, seguridad personal y capacidad de expresión.
“Vistas con Amor” surge con el propósito de apoyar a niños y niñas huérfanos y en situación de vulnerabilidad, mediante acciones que trasciendan la asistencia material y contribuyan también a su desarrollo emocional, educativo y social.
El teatro como herramienta de transformación
A través de esta propuesta, las niñas participan activamente en los ensayos, la interpretación de personajes y la preparación de la puesta en escena, en un proceso que promueve el trabajo en equipo, la creatividad y la confianza en sus propias capacidades.
La obra aborda temas como el miedo, las emociones, la comparación, la confianza y el valor personal, con un mensaje central que invita a reconocer la individualidad y el potencial de cada persona: “No necesito ser como nadie más para brillar”.
La iniciativa apuesta por el arte como una vía para que las participantes descubran sus habilidades, desarrollen nuevas destrezas y encuentren espacios seguros para expresarse.
“Quise que Vistas con Amor fuera más allá de una actividad puntual. Mi intención es utilizar las herramientas que conozco: comunicación, mercadeo, producción audiovisual y creatividad para crear experiencias que conecten, generen impacto y puedan tener continuidad”, expresó Familia.
Una iniciativa con propósito social
La presentación tendrá un costo de RD$2,000 por persona, cuyos ingresos serán destinados íntegramente a la fundación, según la información ofrecida sobre el proyecto.
Con esta propuesta, Familia busca combinar su experiencia profesional con acciones de impacto social que contribuyan al bienestar de niñas en condiciones de vulnerabilidad, al tiempo que promueve su participación en actividades culturales y artísticas.
La iniciativa también procura generar conciencia sobre la importancia de crear oportunidades para que la niñez pueda desarrollar sus talentos, fortalecer su identidad y construir una visión positiva de sí misma.
Comunicación y creatividad al servicio de la comunidad
Arianny Familia es licenciada en Comunicación Publicitaria, con mención Audiovisual, egresada de la Universidad Iberoamericana (UNIBE), y posee una maestría en Dirección de Mercadeo por la Universidad Europea de Madrid.
Desde su formación académica y experiencia profesional, apuesta por integrar la comunicación, la producción audiovisual, la creatividad y la estrategia para desarrollar proyectos con propósito social.
Con “La Luz que Llevo Dentro”, la iniciativa “Vistas con Amor” busca demostrar que el acompañamiento a la niñez vulnerable también puede construirse mediante experiencias que fomenten la expresión artística, la confianza y el reconocimiento del valor individual.