De Teatro
Ibsen vuelve sin pelos en la lengua
Un proyecto internacional de traducción recupera palabrotas y matices perdidos que contribuyeron al escándalo en los estrenos de ‘Casa de muñecas’ o ‘Un enemigo del pueblo’
Henrik Ibsen, retratado en su estudio, en una fotografía sin fecha. GETTY
Cuando en 1879 se representó por primera vez Casa de muñecas, de Henrik Ibsen (1828-1906), se armó un gran revuelo. Nora, su protagonista, es una perfecta esposa burguesa que un día se da cuenta de que su marido y los hombres en general la mangonean como si fuera menor de edad y les da portazo a todos. El personaje se convirtió enseguida en icono del feminismo, pese a que el autor negara repetidamente que tuviera esa intención, amado y odiado por igual. Aquello fue solo el principio de una larga sucesión de polémicas: prácticamente todas las obras que el dramaturgo noruego estrenó desde ese momento suscitaron controversia, especialmente Un enemigo del pueblo (1882), su más furibundo ataque a la corrupción de la democracia. Podría decirse que con Ibsen llegó el escándalo al teatro.
Esto es historia conocida, pues aquellas obras son hoy clásicos representados en todo el mundo. Menos sabido es que una de las cosas que contribuyeron al escándalo en el estreno de Un enemigo del pueblo fue que su protagonista, el vehemente doctor Tomas Stockmann, aderezaba sus arengas con tacos de alto calibre, pues ese detalle se perdió hace años en la mayoría de las traducciones y retraducciones que ha tenido la obra a lo largo de más de un siglo. También en los parlamentos originales de Nora se advertían grandes deseos de maldecir.
Muchos otros matices de la escritura de Ibsen se han perdido con el tiempo. Suele pasar con los clásicos, pero se acentúa cuando el original está escrito en un idioma minoritario como es el noruego, que a menudo se ha traducido partiendo de versiones francesas o inglesas. Por eso el Centro de Estudios Ibsenianos de la Universidad de Oslo, en colaboración con el instituto NORLA y el Ministerio de Exteriores de Noruega, puso en marcha hace una década un monumental proyecto llamado Ibsen in Translation para volcar directamente del original sus 12 obras más importantes a ocho idiomas: árabe clásico, egipcio, hindi, japonés, chino, ruso, iraní y castellano. Las primeras conversaciones tuvieron lugar en 2008 y por fin acaba de llegar a las librerías el primer volumen de la versión española, editado por Nórdica, con ocho dramas traducidos meticulosamente por Cristina Gómez-Baggethun. Los otros cuatro títulos se publicarán el próximo año.
“Se dice que las literaturas nacionales las crean los autores y la mundial los traductores. Y lo cierto es que las traducciones envejecen de manera distinta a los originales y, por tanto, conviene hacer nuevas cada cierto tiempo”, subraya Frode Helland, coordinador internacional del proyecto desde Olso. “Por otra parte —añade Helland—, los desafíos son distintos en cada idioma. Detalles como el uso de palabrotas y elementos como el alcoholismo o las jerarquías que establece el lenguaje suelen ser más difíciles de trasladar a culturas como la china o la japonesa”.
Es asombrosa la cantidad de matices nuevos que salen a la luz en estas revisiones. No hay que olvidar que en España prácticamente no hay traducciones directas, solo las cuatro que publicó Alianza en los ochenta (Casa de muñecas, Hedda Gabler, El pato silvestre y Un enemigo del pueblo) y otras dos de la propia Gómez-Baggethun que Nórdica publicó en 2010 (Casa de muñecas y Solness, el constructor). “Pero la más difundida es la que hizo Pedro Pellicena de las obras completas a principios del siglo pasado, basada en múltiples fuentes, sobre todo francesas —recuerda la traductora—. Tanta intermediación ha hecho que estos textos hayan llegado hasta nuestros días en un castellano muy pulido y literario, pero sin los giros o expresiones del habla oral que Ibsen utilizó muchas veces para marcar el carácter o el origen de sus personajes”.
Interpretaciones dispares
Emma Cohen, Fernando Fernán Gómez y el niño Antonio Fauro en ‘Un enemigo del pueblo’ en 1971 ARCHIVOS CDAEM
Esto explica también en parte por qué el teatro de Ibsen ha sido siempre objeto de las más dispares interpretaciones. Cada cual, según su ideología. “Espectros (1881), por ejemplo, levantó un gran escándalo cuando Stanislavski la estrenó en Moscú, mientras que en Italia fue un éxito comercial a principios del XX gracias a la lectura moralista que hizo el actor Ermete Zacconi, que la entendió como una advertencia sobre las letales consecuencias de la vida bohemia y artística. Un enemigo del pueblo (1883) fue empleada por los nazis como propaganda contra la cultura democrática, mientras que Arthur Miller la adaptó para denunciar la caza de brujas de McCarthy en Estados Unidos y ahora ha regresado con fuerza a los escenarios norteamericanos ante la crisis de derechos democráticos que sufre el país», explica Gómez-Baggethun.
En España ha habido de todo. En 1971, Fernando Fernán-Gómez consiguió un exitazo con su lectura antifranquista de Un enemigo del pueblo (era la versión de Arthur Miller), pero antes el crítico Alfredo Marqueríe (militante falangista) había realizado una adaptación totalmente inversa para una lectura dramatizada en 1963, según ha descubierto Gómez-Baggethun en sus investigaciones. En 2007, Juan Mayorga y Gerardo Vera la montaron centrándose en la degeneración de los medios de comunicación, mientras que la versión que estrenó el año pasado Àlex Rigola proponía al público que votara sobre quiénes eran los malos de la historia. Recordemos el argumento original de Ibsen: Stockmann descubre que las aguas del balneario del que vive su pueblo están contaminadas, pero cuando quiere hacerlo público sus vecinos lo declaran enemigo del pueblo y es entonces cuando él arremete contra la democracia.
El dramaturgo y director Ignacio García May, que ha asesorado a la traductora en cuestiones de ritmo y fonética teatral, subraya que a los lectores de estas nuevas versiones les va a sorprender la comicidad. “Se suele pensar en Ibsen como un señor con patillas muy espeso. Pero resulta que tenía un gran sentido del humor. Estaba escondido bajo esa solemnidad decimonónica que se le echó encima”, afirma García May.
Grandes actores para grandes personajes
Ibsen dejó para la historia un puñado de personajes codiciados por los mejores actores de todas las épocas. Stanislavski, Steve McQueen protagonizaron Un enemigo del pueblo en Estados Unidos y en España el mismo personajes lo han encarnado con altura Fernando Fernán Gómez, José Bódalo, Francesc Orella e Israel Elejalde.
La noruega Liv Ullmann inmortalizó la Nora de Casa de muñecas en Broadway en 1975 y Antony Hopkins interpretó a su marido en el cine. Hedda Gabler han sido Glenda Jackson, Maggie Smith, Ingrid Bergman, Isabelle Huppert y Cate Blanchett, entre otras. En España se recuerda la Nora de Julieta Serrano en una versión “muy feminista”, según recuerda ella misma, que dirigió para televisión Josefina Molina en 1971.
Lejos de apagarse su estela, el noruego parece hoy más vigente que nunca. Al calor de la nueva ola feminista, proliferan nuevas versiones de Casa de muñecas e incluso secuelas como la que escribió el autor estadounidense Lucas Hnath en 2017 imaginando cómo sería la vuelta de la protagonista a su casa 15 años después de su huida. Tuvo tal éxito en su estreno en Broadway que rápidamente se tradujo a varios idiomas y la temporada pasada se estrenaron en España dos producciones, una en castellano y otra en catalán, protagonizadas por Aitana Sánchez-Gijón y Emma Vilarasau. “Claramente hay una moda Ibsen. Las razones probablemente son complejas, pero una explicación breve podría ser que escribió desde dentro de una cultura que estaba experimentando cambios rápidos y radicales en economía, costumbres sociales y normas culturales, relacionados con la relación entre los sexos y el status del individuo como tal. Desafíos de este tipo también son apremiantes y se sienten profundamente hoy, en nuestra propia fase de globalización», opina el profesor Helland.
elpais.com
Santo Domingo.-El XVIII Festival Nacional de Teatro Popular Mayoteatro 2026 abrirá oficialmente el próximo martes 12 de mayo con una inauguración dedicada al maestro Manuel Chapuseaux, una de las figuras más emblemáticas del teatro dominicano.
Quezada destacó que esta nueva edición de Mayoteatro 2026 reunirá a decenas de agrupaciones teatrales, artistas, estudiantes y gestores culturales en una jornada que busca fortalecer el teatro popular y promover el talento escénico nacional.
Como parte del acto inaugural, se realizará un homenaje especial al maestro Manuel Chapuseaux por sus más de 50 años de trayectoria como actor, director, dramaturgo y promotor cultural.
La jornada de apertura incluirá además la presentación de la obra “PIKY LORA, Mujer de Abril”, a cargo del grupo Teatro de la Imagen, con la actuación de Katiuska Nieves y dirección de Guillermo Bass.
El presidente de la Federación Dominicana de Arte y Cultura resaltó que el festival se ha convertido en una de las principales plataformas para el desarrollo del teatro comunitario y popular en República Dominicana.
“Mayoteatro representa una oportunidad para seguir impulsando el arte escénico y acercar el teatro a las comunidades y nuevas generaciones”, expresó Pedro Julio Quezada.
La cartelera incluirá obras como “MUTE”, dirigida por Ingrid Luciano; “Edipo Rey”, presentada por el grupo de teatro de la PUCMM; y “El foso”, bajo la dirección del maestro Haffe Serulle.
También estarán en escena agrupaciones como Teatro Lluvia, Metamorpho Teatro, Teatro Néctar de Puerto Plata, Teatro UASD-SEDE y colectivos pertenecientes a centros educativos especializados en artes.
Entre los facilitadores invitados figuran Juan María Almonte, Víctor Checo, Reynaldo Disla y Bladimir Tatis Pérez.
La clausura del evento está pautada para el 26 de mayo e incluirá una nueva entrega de reconocimiento al maestro Manuel Chapuseaux, además de la presentación especial de la obra “Caperucita Coja”, dirigida por el propio artista homenajeado.
La Federación Dominicana de Arte y Cultura reiteró la invitación al público a participar en todas las actividades programadas durante el festival.
No solo los astronautas de la Misión Artemis II han visto la luna de cerca, en el teatro infantil, la hemos percibido a pocos metros de distancia. Inspirada en el libro de Michael Grejniec, ¿A qué sabe la luna? y con dramaturgia original de José Diego Ramírez, la obra «Un pedacito de luna», es una puesta en escena que refleja los valores del teatro Cúcara- Mácara: es teatro educativo, pero no una lección de moral.
En la puesta en escena se aprecia el manejo de la intertextualidad a través de la mención de otros cuentos y fábulas en los que aparecen los animales personajes de esta obra, como Dumbo, el elefante y la fábula de la liebre y la tortuga.
Esta presentación se enmarca en la octava versión de la Feria Internacional de Títeres y Objetos-FITO- que organiza cada año la Fundación Cúcara-Mácara, con la participación de compañías de España, México y República Dominicana.
El público tiene que poner en marcha su imaginación y fantasía para ingresar a esta noche mágica habitada por diferentes animales en una lejana sabana en la cual brilla, en todo su esplendor, la luna llena.
En este caso, el objeto no es animado, solo se integra a la acción como ícono de la luna, pues su función es permitir que los personajes protagonistas se destaquen con su mensaje. La luna aparece también como títere de boca, agregando una expresividad única a la escena: es un personaje coqueto, risueño y juguetón y su gran dimensión respecto de los otros títeres, da la impresión de estar cercana y lejana a la vez.
Una atrevida tortuga es la protagonista de esta historia, atrevida porque tiene un deseo imposible: comer un pedacito de luna y para ello convoca a varios animales de la selva como el elefante, la jirafa, el león, el mono y el ratón.
Los actores y titiriteros Johanny García, Elsa Quiroz, Basilio Nova y Christian Medina se encargan de varios personajes, haciendo su presencia evidente, pero no protagónica. Hay que resaltar que las voces de los actores reflejan cada una de las personalidades de los animales, con sus matices y sus giros característicos: un elefante grande, pero temeroso, una tortuga seria, determinada y con liderazgo, una mona juguetona y bromista, una jirafa muy dispuesta, un ratón muy empoderado y un león brabucón. La experiencia en el teatro de títeres de cada uno de los actores hizo de esta presentación un hecho memorable para los niños presentes.
Debido a las constantes lluvias en este mes de abril, la puesta en escena tuvo que trasladarse al teatro pequeño, techado, de la sede de Nova Teatro y ese escenario, al ser tan cercano entre el espacio teatral y el público, dificultó una visión más amplia de ciertos aspectos como la luna como objeto y la luna como títere, las diferentes dimensiones del pez -narrador y la cierta lejanía que se necesita para apreciar mejor la técnica del teatro de sombras. Esto no impidió que los niños presentes se unieran a la aventura de la tortuga y al esfuerzo de todos los animales por alcanzar un pedacito de luna.
Al final, la luna le dice al pez que puede probarla a través de su reflejo en el agua, una solución muy poética al problema inicial y que funciona como desenlace de la narración.
Es una puesta en escena con elementos escenográficos simples y minimalistas, que descansa en los personajes y sus diferentes planos físicos y psicológicos.
Dentro de un contexto axiológico, se destacan los valores de la empatía, la colaboración y la resolución colectiva de los problemas. Son valores que hace mucha falta educar en sociedades como la dominicana cuyas soluciones a los problemas colectivos se ejecuta de manera individual, por ello, el pueblo dominicano ha perdido la capacidad de luchar colectivamente para lograr soluciones definitivas a los problemas sociales que nos aquejan.
En ese sentido, saludamos que Un pedacito de luna sea parte del repertorio del FITO y de la propuesta permanente de Cúcara-Mácara para seguir animando desde la ilusión y la fantasía y educando en valores a nuestros niños.
Santo Domingo, R.D.-La aclamada obra Todas las cosas maravillosas, considerada una de las piezas más sensibles de las tablas contemporáneas, llega a la escena dominicana con Luis José Germán en su primer unipersonal. La puesta en escena, producida por la Compañía de Teatro Niní Germán, presenta un montaje cercano que invita a reflexionar sobre la vida, la empatía y la salud mental.
El monólogo Todas las cosas maravillosas, escrito por el dramaturgo británico Duncan Macmillan junto al actor y comediante Jonny Donahoe, ha alcanzado reconocimiento internacional por su formato cercano y por la relación directa que establece con el público.
La obra narra la historia de un niño que, al descubrir que su madre atraviesa un episodio de depresión, comienza a escribir una lista de todas aquellas razones por las que vale la pena vivir. Con el paso de los años, esa lista, aparentemente sencilla, se convierte en una forma profunda de comprender el mundo, los afectos y las fragilidades que atraviesan la experiencia humana.
En los últimos años, la Compañía de Teatro Niní Germán se ha caracterizado por producir comedias que exploran distintas situaciones de la vida cotidiana, desde los enredos de pareja hasta temas vinculados con la salud mental. En esta ocasión, la obra aborda la depresión desde una mirada sensible y cercana, mostrando no solo cómo afecta a quien la padece, sino también la forma en que impacta a quienes forman parte de su entorno.
“Esta pieza tiene varios años dando vueltas en nuestra cabeza. Desde que la vimos fuera del país supimos que, en algún momento, formaría parte del repertorio que queríamos compartir con el público. Solo estábamos esperando la ocasión adecuada para llevarla a escena”, comenta Luly Rocha, productora general del montaje.
Por su parte, Luis José Germán destaca el papel del arte como espacio de diálogo y sensibilidad social. “Debemos aprender a hablar de salud mental con mayor apertura, romper los tabúes que todavía existen en nuestra sociedad y entender que muchas de estas situaciones tienen solución. Pero también reconocer que quienes no las padecemos podemos acompañar con empatía y respeto a quienes sí las atraviesan”, afirma.
A través de una narrativa que combina humor, ternura y profundidad emocional, la obra invita a reflexionar sobre la importancia de acompañar y hablar abiertamente sobre aquello que muchas veces permanece en silencio. La puesta propone además una experiencia escénica cercana y emotiva, en la que el público se convierte en parte esencial de la historia.
Las boletas ya están disponibles en Uepa Tickets, Supermercados Nacional y Jumbo.