De Teatro
La normalidad vista por los miembros de un extrovertido circo
Circus Oz llega al Teatro Mayor Julio Mario Santo Domingo con su show Model Citizens.
Desafiar las improbabilidades físicas de una forma bella, estética, combinando el riesgo con teatralidad, coreografía y humor es todo un arte, y el Circus Oz lo logra con una sincronía espectacular en el espectáculo Model Citizens, que presentarán en el Teatro Mayor Julio Mario Santo Domingo desde el 24 de octubre hasta el 3 de noviembre.
Iniciando con una serie de cuestionamientos metafísicos acerca de la existencia tales como ¿de dónde venimos?, ¿por qué existimos? y ¿qué somos?, y con un mensaje que busca reflejar y a la vez generar reflexión sobre la vida moderna, Model Citizens –como bien lo indica su nombre–, desarrolla la idea de lo que significa ser un “ciudadano modelo en una sociedad llena de modelos”.
Con actuaciones muy simbólicas que reflejan claramente el mensaje que quiere enviar, el show comienza con los artistas vestidos de uniforme azul moviéndose como autómatas. El único disidente, Mitch Jones (también conocido como capitán Ruin), tatuado, luce una cresta rosa intenso y una licra de colores vibrantes. Trata de resistirse a pertenecer a esa masa; sin embargo, se ve rápidamente obligado a ponerse el traje azul. No obstante, la resistencia del individuo empieza a triunfar, y a medida que el espectáculo evoluciona, los artistas van descubriendo su propia personalidad, su individualidad en medio de la colectividad.
EL TIEMPO habló con Kate Fryer, actual directora del montaje y quien ha sido intérprete, directora, maestra y escritora de circo y teatro durante 20 años. La artista afirma que Model Citizens es una crítica a la vida moderna, a que en la actualidad todos quieren replicar modelos que nos venden en las redes sociales y los medios de comunicación. “Por medio de nuestros shows buscamos siempre dejar un mensaje en los espectadores, que reflexionen sobre algún tema. En este caso es sobre las réplicas que se están generando en la sociedad. Por eso usamos en el espectáculo elementos comunes para exacerbar esa realidad”, dice Fryer.
“Model Citizens rechaza la difusión de la conformidad y la producción en masa, es una demostración de las grandes cosas que puede lograr un pequeño equipo que trabaja en estrecha colaboración”, reseñó el medio australiano Daily Review.
Además de lograr una crítica social que nos toca a todos, el espectáculo es por sí solo impresionante, con una interesante puesta en escena: torres humanas, cuerpos que son lanzados de un lado a otro y trapecistas que atraviesan el escenario, todo enmarcado en una estética futurista. Asimismo, mediante un asombroso juego de luces y con el impulso de una sensacional banda sonora de música en vivo, y al exponer las habilidades del circo de maneras poco convencionales, Model Citizens presenta impresionantes acrobacias grupales con un toque diferente. Es un viaje de imágenes y emociones.
Model Citizens es una crítica a la vida moderna, a que en la actualidad todos quieren replicar modelos que nos venden en las redes sociales y los medios de comunicación.
La historia de un gran circo
El circo australiano, con más de cuatro décadas de historia, sin duda ha sido inspiración para otros circenses, pues fue uno de los pioneros en no usar animales, y ha influido a circos del nivel del Circo del Sol.
Surgió como una propuesta nueva en Melbourne (Australia), en 1978. Y en los últimos 40 años ha estado presentando espectáculos tanto en su país como en todo el mundo, desde Nueva York hasta las selvas tropicales de América del Sur. Circus Oz ha llevado sus interpretaciones artesanales de ingenio, gracia y espectáculo a más de 27 países en los cinco continentes, con gran éxito.
La compañía fue fundada como una fusión de dos grupos australianos en su momento exitosos, Soapbox Circus y New Circus. Fryer dice: “Los principios que fueron el corazón de la filosofía original de Circus Oz todavía se reflejan en los espectáculos, en sus actuaciones: propiedad colectiva y creación, equidad de género y trabajo en equipo”.
Los miembros fundadores, según recoge su historia, amaban las habilidades y los trucos del circo tradicional, pero querían hacer un nuevo tipo de espectáculo con el que la audiencia contemporánea pudiera relacionarse, agregando elementos de rock and roll, teatro popular y sátira. Querían que fuera divertido, irreverente y espectacular, una celebración del grupo como un grupo de mujeres y hombres individuales con múltiples habilidades, en lugar de una jerarquía de estrellas.
Sobre todo, no querían tomarse demasiado en serio la vida. Cosieron y soldaron su propia carpa de circo, reunieron una colección de viejos camiones y caravanas y salieron a la carretera.
A mediados de la década de 1980 comenzaron a aparecer nuevas compañías contemporáneas de circo y teatro físico en todo el mundo. Fue en este momento cuando decidieron someterse a una fase importante de desarrollo de habilidades a través de un entrenamiento intensivo con acróbatas de la Compañía Acrobática de Nanjing, de China. Habilidades aprendidas a lo largo de los años de los chinos, como la escalada en postes y el hula-hoop, que continúan dando esencia al espectáculo.
En la página del circo aseguran que el tenor general de la actuación se ha mantenido constante a lo largo de los años. Por lo general hay entre once y trece intérpretes (con al menos dos músicos) que presentan un espectáculo de energía implacable, humor, juego de habilidades múltiples, imágenes surrealistas, gracia y fuerza, totalmente integrado con una partitura musical en vivo y original.
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eltiempo.com
Santo Domingo, R.D.-La aclamada obra Todas las cosas maravillosas, considerada una de las piezas más sensibles de las tablas contemporáneas, llega a la escena dominicana con Luis José Germán en su primer unipersonal. La puesta en escena, producida por la Compañía de Teatro Niní Germán, presenta un montaje cercano que invita a reflexionar sobre la vida, la empatía y la salud mental.
El monólogo Todas las cosas maravillosas, escrito por el dramaturgo británico Duncan Macmillan junto al actor y comediante Jonny Donahoe, ha alcanzado reconocimiento internacional por su formato cercano y por la relación directa que establece con el público.
La obra narra la historia de un niño que, al descubrir que su madre atraviesa un episodio de depresión, comienza a escribir una lista de todas aquellas razones por las que vale la pena vivir. Con el paso de los años, esa lista, aparentemente sencilla, se convierte en una forma profunda de comprender el mundo, los afectos y las fragilidades que atraviesan la experiencia humana.
En los últimos años, la Compañía de Teatro Niní Germán se ha caracterizado por producir comedias que exploran distintas situaciones de la vida cotidiana, desde los enredos de pareja hasta temas vinculados con la salud mental. En esta ocasión, la obra aborda la depresión desde una mirada sensible y cercana, mostrando no solo cómo afecta a quien la padece, sino también la forma en que impacta a quienes forman parte de su entorno.
“Esta pieza tiene varios años dando vueltas en nuestra cabeza. Desde que la vimos fuera del país supimos que, en algún momento, formaría parte del repertorio que queríamos compartir con el público. Solo estábamos esperando la ocasión adecuada para llevarla a escena”, comenta Luly Rocha, productora general del montaje.
Por su parte, Luis José Germán destaca el papel del arte como espacio de diálogo y sensibilidad social. “Debemos aprender a hablar de salud mental con mayor apertura, romper los tabúes que todavía existen en nuestra sociedad y entender que muchas de estas situaciones tienen solución. Pero también reconocer que quienes no las padecemos podemos acompañar con empatía y respeto a quienes sí las atraviesan”, afirma.
A través de una narrativa que combina humor, ternura y profundidad emocional, la obra invita a reflexionar sobre la importancia de acompañar y hablar abiertamente sobre aquello que muchas veces permanece en silencio. La puesta propone además una experiencia escénica cercana y emotiva, en la que el público se convierte en parte esencial de la historia.
Las boletas ya están disponibles en Uepa Tickets, Supermercados Nacional y Jumbo.
Santo Domingo, R.D.-Giovanny Cruz es el autor dramático que con mayor profundidad ha trabajado el suceso taíno en sus creaciones literarias. De su mitología resalta que el dios primordial de los taínos, Yucahú Bagua Maorocoti, es el único dador que ha conocido: —Yucahú: dador de yuca —ha proclamado este multipremiado escritor.
“Xucaba: Ananorex no ha obtenido sus méritos mediante palabras sin sentido o cantando areytos. Los procuró y conquistó con sus brazos sosteniendo su manaya (hacha), tensando con sus manos una pesada baira (arco) y disparando desde ella sus xímaras (flechas) certeras.”
La princesa Iguanamá, la soberbia Xucaba, el sabio behique Guaguyona y el severo cacique Ananorex (personajes de la obra) trascienden lo anecdótico para elevar sus acciones hacia un teatro dramático y profundo, sin renegar de la estética.
“Iguanamá: ¡Biaútex! ¡Imotonex! ¿Cuál dios vino a cobrar en ustedes pecados no pagados? No pudieron escucharse y ahora nadie los escucha ya a ustedes. Nombres y goieces (espíritus de los vivos) abandonaron sus cuerpos para siempre y ahora caminan apesadumbrados hacia las cuevas Coaybay. Esos dos montones de carnes que enlutan la tierra ya no tienen casi nada que ver con ellos.”
En esta “Ecos de sangre”, como ya hizo en su poemario “Areytos: cantos entre el cielo y la tierra”, su creador incorpora parte del encantador idioma de nuestros taínos. Lo que constituye, por demás, un gran aporte lingüístico:
“Ananorex: La luz del güey (sol) desaparecerá en la última línea de la bagua. Pronto nonún (luna), bajando desde la montaña, iluminará por un tiempo los caminos. Cuando vuelva a esconderse, regrese el güey y bajacú (luz del amanecer) nos muestre todos los colores de yahubabayael (pájaro que canta en la mañana); si no has dicho el lugar en donde se encuentra el cuerpo de tu natiao… morirás.”
Que sean las páginas de “Ecos de sangre” que abran para el lector y futuros espectadores el siempre intenso y hermoso telón de Giovanny Cruz Durán.
«Guaguyona: ¡Dos goieces femeninos se han escapado hoy! Iguanamá y Xucaba no son tales! Caminarán pronto al lado de las opias. Ananorex está cerca de hacerlo también. Lo supongo. No podría ya vivir dentro de todas sus culpas.”
ELENCO
Yorlla Castillo (Xucaba)
Miguel Lendor (Guaguyona)
Orestes Amador (Ananorex)
Nileny Dippton (Iguanamá)
Santo Domingo, R.D.-Encontrarse en algún punto del personaje, echar una mirada a su pasado y esperar un futuro prometedor son de las vivencias que compartieron Tania Báez, Milagros Germán, Pamela Sued, Rosmery Herrand y Carla Hernández. Actrices que en el mes de marzo estarán protagonizando la obra teatral “Sin pedir permiso”.
Cinco monólogos escritos por Tania Báez que van mostrando el vacío existencial, logros y frustraciones de mujeres en distintas etapas de la vida. La pieza es dirigida por Waddys Jáquez, quien impregna un sello de calidad, con fuerza en las interpretaciones, sin dejar su toque de humor.
Los personajes vienen de la mano de Carla Hernández, quien encarnará a “Valentina”, de 20 años, y ve como su historia se teje en medio de redes sociales, aceptación social en un mundo en donde se ventila una falsa felicidad, bienestar y placebo. Carla es una joven actriz con un background impresionante que viene pisando fuerte en el teatro musical.
“Laura” es una mujer de 45 años que se casó muy joven, con su primer amor, y que llevó a la pareja por un camino completamente distinto. Su esposo se convirtió en un exitoso profesional y ella decidió quedarse en la casa, siendo ama de casa y cuidando de los hijos. “Laura” ve desmoronar su castillo cuando llega el divorcio y no logra conectar con otros amores.
La comunicadora y actriz Pamela Sued es quien interpreta a “Laura” y precisamente Pamela acaba de cumplir 40 años. Dijo que nunca sintió miedo de llegar a los 40, pues al igual que Laura, ella se casó muy joven, tuvo a su hijo y a diferencia del personaje es una mujer exitosa. “En estos momentos me siento maravillosamente bien, muy feliz. Estoy disfrutando de mi familia y de mi trabajo”, confesó al Listín Diario.
Tania es la escritora de los monólogos, sus historias recogen parte de sus vivencias, las de sus amigas y sobre todo, de las experiencias acumuladas siendo coach y conferencista de estos temas por más de 15 años.
“Lorena”, de 58 y/o 59 años es su personaje. “Es una mujer que anda confundiendo la edad, que se desarrolló en un mundo de hombres, que nunca tuvo miedo, ni bajó la cabeza, super exitosa y determinada, pero que por dentro lleva a una niña insegura, y eso se refleja en sus relaciones, y es ese miedo que la atrapa y la detiene, en medio de la obra. “Este personaje me ha enseñado mucho, ojalá yo pueda lograr lo que Lorena ha logrado en su vida”, apuntó.
“La Diva”, Milagros Germán, asumirá a “Patricia” una mujer de 64 años que nació en la dictadura y que creció viendo a sus padres en medio de una represión que les prohibía hablar fuerte. Repasando su pasado, Milagros, que ya es abuela, recordó con alegría sus hermosos 20, viviendo en el sector Gascue y llevando una vida híper intensa.
“Mis 20 años fueron muy intensos y felices, estudiaba arquitectura y trabajaba en un taller como dibujante, el cual terminé dirigiendo. Fui reina de belleza, me casé y tuve a mi primera hija, Milagros Marina. La verdad que guardo los mejores recuerdos de esa época”.
“Sin pedir permiso” se presenta los días 19, 20 y 21 de marzo y continúa el sábado 28 en Escenario 360, de Galería 360.